Unser Augenmerk liegt in dieser Veranstaltung auf den stets faszinierend gemalten, gezeichneten oder fotografierten Naturstudien, die Künstler seit mehr als 500 Jahren zum Ausgangspunkt oder gar Ziel ihrer Kunst erklärt haben. Die Arbeiten Heinrich Reinholds (1788–1825), die Anlass unseres Seminars sind, lassen uns vor den Originalen immer wieder vor- und zurücktreten, so sehr ziehen die Feder-, Bleistift- und Ölstudien in feinster Ausführung oder skizzenhafter Eindringlichkeit den Blick an, lassen uns auf das Künstlerische im Detail und dann wieder auf die Gesamtwirkung schauen. Für die Geschichte der Ölstudie nimmt Reinhold in Deutschland gar eine Pionierstellung ein, schon zu seinen Lebzeiten waren sie begehrt und in ihrer Eigenständigkeit anerkannt.

Naturstudien fokussieren ein Tier oder eine Pflanze und regen ein konzentriertes Betrachten, ein genaues Hinschauen an. Neben isolierten Darstellungen einer einzelnen Spezies können auch kleinste, nahansichtige Landschaftsausschnitte als Naturstudien gelten. Sie wirken häufig ausgesprochen wirklichkeitsnah. Daneben entwickelt sich die Naturstudie mit ungewöhnlichen Bildausschnitten und in skizzenhafter Manier zum Experimentierfeld für künstlerische Ausdrucksformen. Über die Jahrhunderte lassen sich daher unterschiedliche Funktionen unterscheiden – im Kontext ihrer Entstehungszeit wie auch im Gesamtwerk eines Künstlers. Dienten Naturstudien anfänglich in erster Linie zur Vorbereitung größerer Arbeiten, konnten sie im Laufe der Jahrhunderte zusehends den Rang eines vollendeten Kunstwerks beanspruchen. Unser Bogen reicht von den Arbeiten Albrecht Dürers (1471–1528) bis zu den „Blättern“ Manfred Holtfrerichs (geb. 1948).

Das Seminar findet im Veranstaltungsraum sowie in der Ausstellung „Heinrich Reinhold. Der Landschaft auf der Spur“ statt.

Unser Augenmerk liegt in dieser Veranstaltung auf den stets faszinierend gemalten, gezeichneten oder fotografierten Naturstudien, die Künstler seit mehr als 500 Jahren zum Ausgangspunkt oder gar Ziel ihrer Kunst erklärt haben. Die Arbeiten Heinrich Reinholds (1788–1825), die Anlass unseres Seminars sind, lassen uns vor den Originalen immer wieder vor- und zurücktreten, so sehr ziehen die Feder-, Bleistift- und Ölstudien in feinster Ausführung oder skizzenhafter Eindringlichkeit den Blick an, lassen uns auf das Künstlerische im Detail und dann wieder auf die Gesamtwirkung schauen. Für die Geschichte der Ölstudie nimmt Reinhold in Deutschland gar eine Pionierstellung ein, schon zu seinen Lebzeiten waren sie begehrt und in ihrer Eigenständigkeit anerkannt.

Naturstudien fokussieren ein Tier oder eine Pflanze und regen ein konzentriertes Betrachten, ein genaues Hinschauen an. Neben isolierten Darstellungen einer einzelnen Spezies können auch kleinste, nahansichtige Landschaftsausschnitte als Naturstudien gelten. Sie wirken häufig ausgesprochen wirklichkeitsnah. Daneben entwickelt sich die Naturstudie mit ungewöhnlichen Bildausschnitten und in skizzenhafter Manier zum Experimentierfeld für künstlerische Ausdrucksformen. Über die Jahrhunderte lassen sich daher unterschiedliche Funktionen unterscheiden – im Kontext ihrer Entstehungszeit wie auch im Gesamtwerk eines Künstlers. Dienten Naturstudien anfänglich in erster Linie zur Vorbereitung größerer Arbeiten, konnten sie im Laufe der Jahrhunderte zusehends den Rang eines vollendeten Kunstwerks beanspruchen. Unser Bogen reicht von den Arbeiten Albrecht Dürers (1471–1528) bis zu den „Blättern“ Manfred Holtfrerichs (geb. 1948).

Das Seminar findet im Veranstaltungsraum sowie in der Ausstellung „Heinrich Reinhold. Der Landschaft auf der Spur“ statt.

Farbe: Die einen – die Florentiner Renaissancekünstler ebenso wie die Anhänger Poussins, aber auch die Zisterzienser des 12. oder die Reformatoren des 16. Jahrhunderts – haben sie eher geringgeschätzt, dem Intellekt und der Linie untergeordnet oder gar der Täuschung, Verführung und Unmoral verdächtigt. Für die anderen – Tizian, Rubens, die französischen Romantiker oder die Abstrakten Expressionisten – war sie dagegen die „Seele“ der Malerei.

Mit Newton begann ihre moderne naturwissenschaftliche Erforschung, Goethe suchte ihre „sinnlich-sittliche“ Wirkung zu erschließen, Kandinsky und die Maler am Bauhaus wollten auf ihr eine rein abstrakte, vom Gegenstand unabhängige „Sprache“ begründen. Farben wurden immer wieder zur Demonstration von Macht und Reichtum eingesetzt, aber umgekehrt auch zur Stigmatisierung und Ausgrenzung – und nicht selten hat sich ihre Bedeutung dabei im Verlauf der Geschichte grundlegend gewandelt, mitunter sogar ins Gegenteil verkehrt. Mit einem Wort: Farben sind alles andere als selbstverständlich oder gar „natürlich“, es sind vielmehr vielschichtige kulturelle Gebilde, die sich jeder vorschnellen Verallgemeinerung widersetzen.

Über zweieinhalb Jahre haben wir in unserer Seminarreihe die faszinierende Kunst- und Kulturgeschichte der Farben von der Antike bis in die Gegenwart verfolgt – und dabei nicht zuletzt die Sammlung der Hamburger Kunsthalle aus einer neuen Perspektive betrachtet. Für alle diejenigen, die uns auf dieser Expedition begleitet haben, aber ebenso für die, die sich demnächst selbst auf Entdeckungsreise begeben wollen, bieten wir nun zum Abschluss ein 5-stündiges Resümee an – Kaffee und Erfrischungspausen eingeschlossen, Erkenntnisgewinn garantiert.

Das Seminar findet im Veranstaltungsraum statt.

Farbe: Die einen – die Florentiner Renaissancekünstler ebenso wie die Anhänger Poussins, aber auch die Zisterzienser des 12. oder die Reformatoren des 16. Jahrhunderts – haben sie eher geringgeschätzt, dem Intellekt und der Linie untergeordnet oder gar der Täuschung, Verführung und Unmoral verdächtigt. Für die anderen – Tizian, Rubens, die französischen Romantiker oder die Abstrakten Expressionisten – war sie dagegen die „Seele“ der Malerei.

Mit Newton begann ihre moderne naturwissenschaftliche Erforschung, Goethe suchte ihre „sinnlich-sittliche“ Wirkung zu erschließen, Kandinsky und die Maler am Bauhaus wollten auf ihr eine rein abstrakte, vom Gegenstand unabhängige „Sprache“ begründen. Farben wurden immer wieder zur Demonstration von Macht und Reichtum eingesetzt, aber umgekehrt auch zur Stigmatisierung und Ausgrenzung – und nicht selten hat sich ihre Bedeutung dabei im Verlauf der Geschichte grundlegend gewandelt, mitunter sogar ins Gegenteil verkehrt. Mit einem Wort: Farben sind alles andere als selbstverständlich oder gar „natürlich“, es sind vielmehr vielschichtige kulturelle Gebilde, die sich jeder vorschnellen Verallgemeinerung widersetzen.

Über zweieinhalb Jahre haben wir in unserer Seminarreihe die faszinierende Kunst- und Kulturgeschichte der Farben von der Antike bis in die Gegenwart verfolgt – und dabei nicht zuletzt die Sammlung der Hamburger Kunsthalle aus einer neuen Perspektive betrachtet. Für alle diejenigen, die uns auf dieser Expedition begleitet haben, aber ebenso für die, die sich demnächst selbst auf Entdeckungsreise begeben wollen, bieten wir nun zum Abschluss ein 5-stündiges Resümee an – Kaffee und Erfrischungspausen eingeschlossen, Erkenntnisgewinn garantiert.

Das Seminar findet im Veranstaltungsraum statt.

Der 150. Geburtstag Max Slevogts (1868–1932) und die damit verbundenen Ausstellungen bieten Anlass für eine intensivere Auseinandersetzung mit seinem vielseitigen malerischen und graphischen Œuvre. Slevogt bildet zusammen mit Max Liebermann und Lovis Corinth das sogenannte Dreigestirn des „deutschen Impressionismus“ und schuf als Jüngster dieses Trios eindrucksvolle Bilder des mondänen Berlin sowie der ihm vertrauten Landschaften, insbesondere der Pfalz. Berühmt wurde er mit seinen eigenwilligen Porträts; sein Hang zur Bühne und zur Weltliteratur gaben ihm stets neue Impulse für ein künstlerisch eigenständiges Werk.

Unser Seminar widmet sich den Entwicklungslinien und Hauptarbeiten Slevogts sowie dem „deutschen Impressionismus“, einer Richtung in der Malerei um 1900, von der oftmals selbstverständlich die Rede ist und die sich doch nicht mit einem Satz erfassen lässt. Der Begriff lässt an den Vorbildcharakter der französischen Kunst denken; vielfach gilt die künstlerische Strömung in Deutschland als unmittelbare Folgeerscheinung dessen, was Maler wie Manet, Monet und Pissarro in Frankreich hervorbrachten. Tatsächlich hielten sich die meisten deutschen Künstler – wie auch Slevogt – zu Studienzwecken in Paris auf. Zunächst interessierten sie sich jedoch für die frühe Freiluftmalerei der Maler von Barbizon, erst in den 1890er-Jahren hellte sich ihre Palette auf und sie öffneten sich einer stärker impressionistischen Malweise. Inwieweit sie die modernen Impulse mit weiteren, teils sehr unterschiedlichen Tendenzen zu neuen Ergebnissen führten, wollen wir an Beispielen der drei Hauptvertreter sowie jener Künstler hinterfragen, die das weite Spektrum des „deutschen Impressionismus“ veranschaulichen.

Das Seminar findet im Veranstaltungsraum sowie in der Sammlung statt.

Der 150. Geburtstag Max Slevogts (1868–1932) und die damit verbundenen Ausstellungen bieten Anlass für eine intensivere Auseinandersetzung mit seinem vielseitigen malerischen und graphischen Œuvre. Slevogt bildet zusammen mit Max Liebermann und Lovis Corinth das sogenannte Dreigestirn des „deutschen Impressionismus“ und schuf als Jüngster dieses Trios eindrucksvolle Bilder des mondänen Berlin sowie der ihm vertrauten Landschaften, insbesondere der Pfalz. Berühmt wurde er mit seinen eigenwilligen Porträts; sein Hang zur Bühne und zur Weltliteratur gaben ihm stets neue Impulse für ein künstlerisch eigenständiges Werk.

Unser Seminar widmet sich den Entwicklungslinien und Hauptarbeiten Slevogts sowie dem „deutschen Impressionismus“, einer Richtung in der Malerei um 1900, von der oftmals selbstverständlich die Rede ist und die sich doch nicht mit einem Satz erfassen lässt. Der Begriff lässt an den Vorbildcharakter der französischen Kunst denken; vielfach gilt die künstlerische Strömung in Deutschland als unmittelbare Folgeerscheinung dessen, was Maler wie Manet, Monet und Pissarro in Frankreich hervorbrachten. Tatsächlich hielten sich die meisten deutschen Künstler – wie auch Slevogt – zu Studienzwecken in Paris auf. Zunächst interessierten sie sich jedoch für die frühe Freiluftmalerei der Maler von Barbizon, erst in den 1890er-Jahren hellte sich ihre Palette auf und sie öffneten sich einer stärker impressionistischen Malweise. Inwieweit sie die modernen Impulse mit weiteren, teils sehr unterschiedlichen Tendenzen zu neuen Ergebnissen führten, wollen wir an Beispielen der drei Hauptvertreter sowie jener Künstler hinterfragen, die das weite Spektrum des „deutschen Impressionismus“ veranschaulichen.

Das Seminar findet im Veranstaltungsraum sowie in der Sammlung statt.