Im 17. Jahrhundert erlebte der Illusionismus in der niederländischen Malerei einen glanzvollen Höhepunkt. Augentäuschende Gemälde, aber auch Kuriositäten wie Perspektivkästen und Spiegel-Anamorphosen, die Gegenstände und Räume lediglich aus einem bestimmten Blickwinkel täuschend echt erscheinen ließen, waren in Sammlerkreisen begehrt und wurden zu Bestandteilen eines geistreichen Spiels um Täuschung und Enttäuschung. Sie standen zum einen für höchste künstlerische Finesse und trafen damit den Nerv eines wirtschaftlich erstarkenden und zugleich kunstliebenden Bürgertums.

Zum anderen reflektieren sie das wissenschaftliche Interesse an der Optik, der Mathematik und der Kartographie; allesamt Wissensgebiete, die für eine Seefahrer- und Handelsnation wie die Vereinigten Niederlande von überragender Bedeutung waren. So entsteht das Bild einer visuellen Kultur, die in ihrer Hinwendung zur Wirklichkeit im Europa der damaligen Zeit ihresgleichen suchte.

Kostenbeitrag:
29 Euro, Zuzahlung für Nichtmitglieder 5 Euro (zzgl. Eintritt)

Anmeldung erforderlich

Im 17. Jahrhundert erlebte der Illusionismus in der niederländischen Malerei einen glanzvollen Höhepunkt. Augentäuschende Gemälde, aber auch Kuriositäten wie Perspektivkästen und Spiegel-Anamorphosen, die Gegenstände und Räume lediglich aus einem bestimmten Blickwinkel täuschend echt erscheinen ließen, waren in Sammlerkreisen begehrt und wurden zu Bestandteilen eines geistreichen Spiels um Täuschung und Enttäuschung. Sie standen zum einen für höchste künstlerische Finesse und trafen damit den Nerv eines wirtschaftlich erstarkenden und zugleich kunstliebenden Bürgertums.

Zum anderen reflektieren sie das wissenschaftliche Interesse an der Optik, der Mathematik und der Kartographie; allesamt Wissensgebiete, die für eine Seefahrer- und Handelsnation wie die Vereinigten Niederlande von überragender Bedeutung waren. So entsteht das Bild einer visuellen Kultur, die in ihrer Hinwendung zur Wirklichkeit im Europa der damaligen Zeit ihresgleichen suchte.

Kostenbeitrag:
29 Euro, Zuzahlung für Nichtmitglieder 5 Euro (zzgl. Eintritt)

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Teil II: Von der Französischen Revolution bis heute

Wann hat man eigentlich in Europa damit begonnen, das, war vordem in religiöse Gebräuche und politische Ziele eingebunden war, als »Kunst« zu sammeln – und warum? In unserer zweiteiligen Seminarreihe wollen wir die Entstehung des öffentlichen Kunstmuseums in ihren Grundzügen nachzeichnen. Dafür begeben wir uns auf eine faszinierende Entdeckungsreise in die Geschichte des Sammelns und Ausstellens, Sehens und Denkens: von der Kunst- und Wunderkammer der Renaissance mit ihrer ganz eigenen »Ordnung der Dinge« über die barocke Gemäldegalerie, die Öffnung der höfischen Sammlungen und die Entstehung des bürgerlichen Museums nach der Französischen Revolution bis zu den Bilderstürmen und Reformversuchen des 20. und 21. Jahrhunderts.

Dr. Alice Gudera, Florian Britsch M.A.

Kostenbeitrag:
32 Euro pro Termin, Zuzahlung für Nichtmitglieder 5 Euro (zzgl. Eintritt), einzeln buchbar

Anmeldung erforderlich

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Sie war eine Ausnahmeerscheinung in ihrer Zeit und erlangte höchsten Ruhm: Die aus Den Haag stammende Rachel Ruysch (1664–1750) war Mitglied der Malergilde, Hofmalerin und Mutter von zehn Kindern. Ihre prachtvollen, täuschend echt wirkenden Blumenstillleben mit exotischen Pflanzen und Früchten, Schmetterlingen und Insekten galten bereits zu Lebzeiten als gesuchte und kostspielige Sammlerstücke.

Kosten

30 € Erwachsene(r)
25 € Mitglied(er)
5 € ermäßigt

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Teil I: Von der Wunderkammer zur barocken Gemäldegalerie

Wann hat man eigentlich in Europa damit begonnen, das, war vordem in religiöse Gebräuche und politische Ziele eingebunden war, als »Kunst« zu sammeln – und warum? In unserer zweiteiligen Seminarreihe wollen wir die Entstehung des öffentlichen Kunstmuseums in ihren Grundzügen nachzeichnen. Dafür begeben wir uns auf eine faszinierende Entdeckungsreise in die Geschichte des Sammelns und Ausstellens, Sehens und Denkens: von der Kunst- und Wunderkammer der Renaissance mit ihrer ganz eigenen »Ordnung der Dinge« über die barocke Gemäldegalerie, die Öffnung der höfischen Sammlungen und die Entstehung des bürgerlichen Museums nach der Französischen Revolution bis zu den Bilderstürmen und Reformversuchen des 20. und 21. Jahrhunderts.

Teil II: Von der Französischen Revolution bis heute am Freitag, 17. Januar 2025, 13 bis 17 Uhr

Dr. Alice Gudera und Florian Britsch, M.A.

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Der Name Gustave Caillebotte ist untrennbar mit Monet, Manet, Renoir und Degas verbunden. Der Maler, leidenschaftliche Segler und Bootskonstrukteur (1848–1894) stellte aber nicht nur gemeinsam mit den Impressionisten aus; berühmt wurde er zudem als Mäzen und Sammler ihrer Gemälde, die er nach seinem Tod dem französischen Staat vermachte. Caillebottes Bilder zeigen das im 19. Jahrhundert neu entstandene Paris mit seinen Boulevards, Plätzen und Brücken in oftmals extremen Perspektiven, Freizeit am Wasser, Gärten und Stillleben, aber auch Menschen bei der Arbeit.

Eine große Ausstellung im Musée d’Orsay beleuchtet nun insbesondere seine wiederholten, meist monumentalen Darstellungen männlicher Figuren, seien es elegante Flaneure, Sportler oder einfache Parkettschleifer. Einzigartig in ihrer Zeit, leisten diese Werke einen hochinteressanten Beitrag zur Neudefinition von Männlichkeit im bürgerlichen Zeitalter.

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Grau spielt in der abendländischen Kunst eine besondere Rolle: Es kann die Abwesenheit von Farbe bedeuten oder die Summe aller Farben. In der Differenz zur Alltagserfahrung einer farbigen Welt ist Grau ein Medium der Abstraktion und Distanznahme – zeitlich, gedanklich, emotional – und lädt wie keine andere Farbe zur Reflexion künstlerischer Mittel oder gattungsspezifischer Verfahren ein. Umgekehrt kann die Farbe aber auch – wie in den symbolistischen Stadtbildern und Interieurs von Fernand Khnopff oder Vilhelm Hammershøi – der atmosphärischen und emotionalen Vertiefung dienen.

Von der mittelalterlichen Grisaille bis zu Gerhard Richter birgt das auf den ersten Blick so unscheinbare Grau eine Fülle von Überraschungen und Entdeckungen. In unserer Seminarreihe zeichnen wir die Kunst- und Kulturgeschichte der wichtigsten Farben im europäisch-amerikanischen Sprachraum von der Antike bis in die Gegenwart nach – vor diesem Hintergrund erscheint auch die Sammlung der Hamburger Kunsthalle in neuem Licht. Jede Veranstaltung innerhalb der Reihe ist thematisch in sich abgeschlossen.

Dr. Alice Gudera und Florian Britsch, M.A.

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Grau spielt in der abendländischen Kunst eine besondere Rolle: Es kann die Abwesenheit von Farbe bedeuten oder die Summe aller Farben. In der Differenz zur Alltagserfahrung einer farbigen Welt ist Grau ein Medium der Abstraktion und Distanznahme – zeitlich, gedanklich, emotional – und lädt wie keine andere Farbe zur Reflexion künstlerischer Mittel oder gattungsspezifischer Verfahren ein. Umgekehrt kann die Farbe aber auch – wie in den symbolistischen Stadtbildern und Interieurs von Fernand Khnopff oder Vilhelm Hammershøi – der atmosphärischen und emotionalen Vertiefung dienen.

Von der mittelalterlichen Grisaille bis zu Gerhard Richter birgt das auf den ersten Blick so unscheinbare Grau eine Fülle von Überraschungen und Entdeckungen. In unserer Seminarreihe zeichnen wir die Kunst- und Kulturgeschichte der wichtigsten Farben im europäisch-amerikanischen Sprachraum von der Antike bis in die Gegenwart nach – vor diesem Hintergrund erscheint auch die Sammlung der Hamburger Kunsthalle in neuem Licht. Jede Veranstaltung innerhalb der Reihe ist thematisch in sich abgeschlossen.

Dr. Alice Gudera und Florian Britsch, M.A.

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